Come ottengo vere emozioni e recitazione dai personaggi AI?

Cosa stanno davvero giudicando gli spettatori

Un test di recitazione affiancato nel corpus mostra cosa giudicano gli spettatori. Il suo autore ha elencato cosa guardava:

Guardavo soprattutto cose come il movimento degli occhi, le microespressioni, i tempi, le transizioni emotive e se la recitazione sembra davvero umana

Nota quanto di quell'elenco riguardi il tempo: le transizioni e i tempi sono cose che accadono tra i momenti, non dentro uno di essi. Una risposta nello stesso thread è andata oltre e ha giudicato la scena dai corpi, non dai volti:

Non è molto coerente con il loro linguaggio del corpo.

Entrambi i punti portano alla stessa conclusione. La recitazione non è una proprietà di un volto che un modello migliore sblocca; è il rapporto tra ciò che è successo, ciò che il personaggio fa al riguardo e per quanto tempo lo guardiamo farlo. Sono tutte cose che la descrizione di un'inquadratura controlla.

Dai al personaggio un motivo

L'emozione parte dalla storia. Un personaggio che ha appena letto una lettera, perso una discussione o visto qualcuno che credeva scomparso ha qualcosa a cui reagire; uno a cui si dice di sembrare triste in una stanza vuota no. In SceneMixer, quando lo script viene letto, ogni personaggio riceve anche una breve nota di personalità ricavata dalla storia, e quella nota passa in ogni storyboard scritto per lui. Ciò che un personaggio fa in un'inquadratura, la nota di recitazione tra parentesi e le parole della battuta sono ciò che la camera filma davvero: quindi una scena che prepara il motivo nell'inquadratura precedente dà alla successiva qualcosa da recitare.

Scrivi la causa, poi la reazione

Le parole che descrivono un risultato (affranto, minaccioso, al settimo cielo) tendono a essere dipinte come un volto fisso. Le parole che descrivono una causa e una reazione fisica lasciano accadere la performance: legge l'ultima riga, piega la lettera lungo la vecchia piega e non alza lo sguardo. Una buona inquadratura di recitazione di solito contiene un solo momento:

• Il fattore scatenante: ciò che il personaggio vede o sente, idealmente nell'inquadratura prima.
• La prima reazione: qualcosa di piccolo e fisico: un respiro trattenuto, una mano che si ferma, gli occhi che vanno alla porta.
• La decisione: ciò che fa dopo, ed è qui che l'emozione diventa leggibile.

Tieni una sola azione per inquadratura e dalle abbastanza secondi. Due secondi sono una reazione; quattro una transizione. Un'inquadratura che deve far stare una rivelazione, una reazione e una risposta in tre secondi le riprodurrà tutte e tre come una sfocatura.

La battuta porta l'interpretazione

Il dialogo viene generato insieme all'immagine, quindi il modo in cui una battuta viene detta modella il volto che la dice. Ogni battuta vive dentro l'inquadratura in cui viene pronunciata: chi parla, una nota di recitazione tra parentesi tonde, le parole e la voce che le dice. "(quietly, not looking at him)" è un'indicazione che un attore riconoscerebbe, ed è ciò che trasforma una battuta da recitata a sentita. Chi ascolta conta quanto chi parla: scrivi cosa fa l'altro personaggio mentre la battuta arriva (una mascella che si serra, uno sguardo altrove) e tieni le sue labbra chiuse. Dialogo e sincronia labiale sono di per sé un grande filone del corpus, con 2,600 post.

Abbastanza vicino da vederla

L'inquadratura decide se una performance sia visibile del tutto. Le piccole reazioni vivono nei primi piani e nei mezzi primi piani; un campo largo mostra cosa è successo ma non cosa significava. Alterna i due volti in un confronto e cambia l'inquadratura a ogni stacco, così la scena si legge come copertura e non come un'unica inquadratura scattosa. Quando una clip finita va bene tranne che per un dettaglio (un'espressione appena sbagliata, per esempio), cambiare l'espressione è una delle modifiche fisse che si possono fare alla clip sul posto, senza rigenerare l'inquadratura.

Il test che applicano gli spettatori è quello che una risposta sotto un breve trailer su r/aivideo che metteva l'emozione sopra gli effetti ha nominato direttamente:

C’è una storia, c’è un po’ di sviluppo dei personaggi, un po’ di tensione e i tempi giusti.

Limiti del dirigere a testo

• Stai dirigendo un modello, non un attore: lo stesso testo può dare ogni volta una ripresa più forte o più debole, quindi metti in conto di rigenerare l'inquadratura chiave.
• Le performance molto sottili e tenute a lungo sono le più difficili; inquadrature più brevi con un momento chiaro sono più affidabili.
• Imitare il volto o la voce di un attore reale viene rifiutato; la performance deve appartenere a un personaggio inventato.
• I confronti citati qui sono giudizi di singoli spettatori, e i conteggi sono approssimazioni basate su regole da una finestra.

FAQ

Per il lato della scrittura, leggi come dare al personaggio una personalità che il video mostra e come scrivere il dialogo nello storyboard; la risposta su come mantenere la stessa voce copre il suono. I conteggi seguono la nota sul metodo.